Recua

2011-11-10T10:47:00.000-08:00

El Lunes 21 de Noviembre comienza la Semana de la Música, organizada por el Ensamble de Cellos Recua. Con el auspicio del programa "Interviu", este evento es organizado por primera vez en Tucumán. Los conciertos se llevarán a cabo en El Círculo de la Prensa, Mendoza 240, San Miguel de Tucumán. Encontrarán más detalles en la página web: http://www.festivalsemanadelamusica.blogspot.com/

La grilla de conciertos es la siguiente:

Lunes 21, 21.30 hs: Ensamble de cellos Recua.
Martes 22, 21:30 hs: La 9 de Julio Tango.
Miércoles 23, 21:30 hs: Pláate ensemble Music.
Jueves 24, 21:30 hs: 5 Pal Peso.
Sábado 26, 22.00 hs: Tetra Blues.
Domingo 27, 21:30 hs: Tucumán Brass Ensemble.

Dejamos abajo el link en youtube para más información.

Te esperamos!

1º festival semana de la musica - Interviú junto a vos Nº 468

Convocatoria "Festival Semana de la Música"

2011-10-17T17:34:00.000-07:00

El Ensamble de Cellos Recua convoca a músicos para participar del “Primer Festival Semana de la Música” que se llevará a cabo en el Círculo de la Prensa del 21 al 27 de Noviembre. El objetivo de este Festival es reunirnos y celebrar el Día de la Música (22 de Noviembre) durante una semana. La invitación es para instrumentistas y cantantes de todos los géneros musicales. Los interesados, por favor envíen un mail a estelagarcia69@hotmail.com o ensamblerecua@hotmail.com, para recibir los detalles del Ciclo. El único requisito es sentir orgullo de ser músicos y festejarlo haciendo música.

Violonchelistas en Concierto

2011-10-09T08:32:00.001-07:00

Por primera vez, los Violonchelistas estudiantes de todos los niveles del Instituto Superior de Música de la UNT realizarán un concierto en el auditorio de la Institución (Chacabuco 242, S. M. de Tucumán), el próximo Miércoles 12 de Octubre a las 17:30 hs. El evento tendrá como invitados especiales a violinistas alumnos de la Profesora Emma Valdéz. Los esperamos para disfrutar de un repertorio variado, con un poco de música clásica, tango y canciones infantiles. La entrada es libre y gratuita.

Recua en el centro de Yoga AUAM

2011-10-08T04:36:00.000-07:00

El próximo Lunes 10 de Octubre Recua se presentará en el Centro de Yoga AUAM (Don Bosco 1450, San Miguel de Tucumán) a 19:30 Hs. Con este concierto se abrirá la semana de festejos por el 15° aniversario de AUAM. Luego de nuestra presentación habrá una muestra de expresiones artísticas de los socios. El costo de la entrada es de $20. Los esperamos.

Recua en el 51° Septiembre Musical

2011-08-31T07:10:00.000-07:00

El próximo Domingo 04 de Septiembre el Ensamble de cellos "Recua"se presentará a las 21 hs. en el Teatro San Marín, Av Sarmiento 601, San Miguel de Tucumán. En esta ocasión contará con la participación de la cantante Viviana Taberna y el percusionista "Cáfé" Valdéz. En la primera parte el Ensamble interpretará temas de Roger Water, Gun´s and Roses, Apocalyptica, The Beatles y Hans Zimmer. La segunda parte y con la intervención de los artistas invitados, estará dedicada a la música latina, con temas de Silvio Rodríguez, Guillermo Portabales, Verónica Condomí, Eladia Blázquez, María Elena Walsh y León Gieco. Entradas desde $10 (galería) hasta $30 (platea) Será una gran noche. Los esperamos

Concierto Lounge II a beneficio

2011-08-08T09:59:00.000-07:00

El día 11 de Agosto del corriente a hs.21:30, se llevará a cabo el “Segundo Concierto Lounge”, en la sala del Circulo de la Prensa, calle Mendoza 240 de esta ciudad, a total beneficio de la “Escuela Especial Hospital del Niño Jesús”. El concierto Lounge es un concierto que consiste en aportes de distintos estilos y direcciones musicales tratando de reunir público de todos los gustos y generando la diversidad musical y una comunicación más directa entre músicos y público. Este concierto tiene en esta oportunidad el lema de LA SOLIDARIDAD, como motor de la conciencia social que mueve a conocidos músicos del medio, a trabajar juntos y aportar lo suyo para este evento. Actuarán en esta oportunidad: Estela García (violonchelo), Lourdes Luna Hernández (violín), Paola Moreno (piano), las concertistas Dorothée Broichhausen y Rita Adriana Sánchez (piano), el Ensamble de cellos “Recua”, Viviana Taberna (Voz), Carlos Podazza (guitarra), Alejandro Ferrera (batería), Bernardo Efron (contrabajo) y Adolfo Palomino (vibráfono y percusión). Se escucharán obras de Astor Piazzolla, Hans Zimmer, Beethoven, Rachmaninov, Chick Corea, Víctor Young, George Gershwin, entre otros. La entrada es libre y gratuita, pero se ruega al público asistente colaborar con la donación voluntaria de útiles escolares, ropa etc.

Concierto Segundo Aniversario

2011-06-14T10:51:00.000-07:00

Festejando nuestro Segundo Aniversario los invitamos a acompañarnos al concierto que ofreceremos el Sábado 18 de Junio de 2011 a 21 hs. en la Sala Teatro del Colegio Tulio García Fernández (ex parroquia San Juan Bosco) en Av. Mitre 396 (San Miguel de Tucumán)

Padrinos de Recua

2011-04-18T12:45:00.000-07:00

Para la concreción de la programación anual, el Ensamble abrió las puertas a lo que llamamos "Padrinazgo". Los Padrinos son Empresas o Particulares que, con su aporte económico, hacen posible la propuesta musical del Ensamble Recua. El Padrino es un "Posibilitador", aporta un bien a la sociedad a través de un acto de responsabilidad y compromiso con la cultura. Los "Padrinos Particulares" se ven beneficiados con una entrada para asistir a tres conciertos del Ensamble y el nombramiento en el listado de padrinos en los programas de dichos conciertos. Los "Padrinos Empresas", reciben dos entradas para tres conciertos y la publicidad de su empresa en los programas de dichos eventos. Por medio de este sistema, particulares y empresas ayudan a promover un proyecto cultural único y que supo ganarse un destacado lugar en el ambiente artístico. Si está interesado en participar de esta propuesta cultural, puede enviar un mail a: estelagarcia69@hotmail.com, solicitando mayor información.

Listado de Padrinos:

Soledad Espeche, Soledad Muruaga, Claudia Otero, José Espeche, Amalia Yolanda Neme, La Gente que te Rodea (artistas independientes), Alejandra Espeche, Ulrike Prösl, Carolina Espeche, Silvia Espeche, Rolando León, Lourdes Deraco, Solana Ponferrada, Claudia García, Licy Assad de León, Verónica Valverde, Rolando Assad, Susana García.

2011-03-09T18:06:00.000-08:00

Concierto Feria del Libro, Catamarca

2010-10-21T13:28:00.000-07:00

Recua viaja a Catamarca con la alegría y el orgullo de haber sido invitados por la Secretaría de Estado de Cultura de la Provincia para participar de un evento tan importante como es la "7º Feria del Libro". Estaremos a cargo del cierre de la Feria y el encuentro será en el "Salón de Espectáculos del Predio Ferial" a hs 21.

Historia de Recua

2010-09-27T14:35:00.000-07:00

Recua es el primer Ensamble de cellos del interior argentino. Se formó a comienzos del año 2009, ofreciendo su primera presentación en público el 13 de Junio de ese año en el "Club Germano Argentino", de San Miguel de Tucumán. Participó del concierto clausura en los festejos del "Centenario del Conservatorio Provincial de Música de Tucumán". Fue invitado por el Ente Cultural Tucumán a participar del "50 Septiembre Musical" y de la presentación del "Libro del 50 Aniversario del Septiembre Musical Tucumano". Ambos conciertos fueron interpretados en el Teatro San Martín. Fue invitado por la Secretaría de Cultura de Catamarca para participar del cierre de la "7ª Feria del Libro". Participó también del "Classic Lounge" llevado a cabo en la Caja Popular de Ahorros, como parte del evento "Caja Cultural". Actualmente la agrupación está formada por doce violoncellistas estudiantes de nivel inicial, medio y superior, íntimamente unidos por la pasión por la música y el disfrute del trabajo. El grupo se completa con una baterista y la dirección de Estela García. El repertorio es muy variado abordando estilos como el pop, rock, tango, clásico, contemporáneo, musicales, etc. El pianista Rolando Assad arregló para este Ensamble el tango "Adiós Nonino", de Astor Piazzolla, y la "Romanza sin Palabras Op. 67, Nº 2" de Félix Mendelsshon. El compositor argentino radicado en Alemania, Juan María Solare, hizo especialmente para Recua un arreglo de su obra "Dimensión" que fue estrenada en el 2010 en el Teatro San Martín.

Concierto presentación del Libro del "50 Septiembre Musical"

2010-09-15T19:32:00.000-07:00

Recua se presentará en el escenario del Teatro San Martín (Av. Sarmiento y Muñecas, Tucumán) el próximo Lunes 20 a 21 hs, con motivo de la presentación del libro "50 Septiembre Musical Tucumano".

Recua en el "50 Septiembre Musical Tucumano"

2010-09-07T15:15:00.000-07:00

Recua se presentará el día 13 de Setiembre a las 21 hs., en el foyer del Teatro San Martín (Tucumán), participando del "50º Septiembre Musical Tucumano". Como es característico en el Ensamble, el repertorio será muy variado abordando estilos que van desde el clásico hasta el rock, incluyendo la obra "Dimensión", estreno en Tucumán y que fue especialmente arreglada por su compositor, Juan María Solare, para este Ensamble. Se escuchará, también en primer audición en Tucumán, la obra "Frartes" de Arvo Pärt. La entrada es libre y gratuita.

Concierto MUNT: LA FUERZA DEL ROMANTICISMO

2010-08-05T14:26:00.000-07:00

La Fuerza del Romanticismo es el título que inspira este concierto de Música de Cámara, que se realizará el 15 de agosto a las 20 hs. en la sala del MUNT, San Martin 1545. Se escucharán en esta oportunidad obras de Sergei Rachmaninoff, Friedrich Kiel, Norbert Laufer (compositor alemán contemporáneo) y dos movimientos del Octeto para cuerdas de Félix Mendelssohn-Bartholdy, en su transcripción para violín, violonchelo y piano a cuatro manos. Estas obras se escucharán en primera audición en Tucumán.

Friedrich Kiel, compositor alemán romántico, contemporáneo y amigo de Chopin, demuestra en sus Danzas vienesas virtuosismo, gran talento melódico y mucha influencia de Brahms y Chopin. Kiel fue muy conocido por su labor pedagógica como profesor de composición en el Conservatorio Stern de Berlín, donde formó a grandes músicos.

El Octeto op.19 de Félix Mendelssohn–Bartholdy comparte con Rachmaninoff la precocidad y la audacia si se cuenta que Mendelssohn sólo tenia dieciséis años cuando compuso la misma. Gracias a la fuerza e inspiración de esta obra, se convirtió en uno de los referentes más importantes de la música de cámara del Romanticismo.

Sergei Rachmaninoff compuso su Trio Elegíaco con sólo diecinueve años, lo que demuestra tanto su virtuosismo pianístico como su capacidad para plasmar en una obra variedades de matices y climas sonoros, características de esta obra maestra precoz del repertorio de cámara del estilo Ultrarromántico, que se desarrolló en la primera mitad del siglo XX.

Sin querer dejar de lado el Neorromanticismo del siglo XX, la obra de Norbert Laufer Carrillon nos propone una lectura modernista del Neorromanticismo, con todas las posibilidades técnicas y tímbricas de la música contemporánea.

Actuarán como intérpretes: Lourdes Luna Hernández (violín), Estela García (Violonchelo), Paola Moreno (Piano), y el dúo de piano germano-argentino conformado por Dorothee Broichhausen y Adriana Sánchez.

Recua en la Caja Popular de Ahorros

2010-08-02T10:13:00.000-07:00

El próximo Miércoles 11 de Agosto a las 20:30 hs., se presentará en la Caja Popular de Ahorros un espectáculo musical que contará con la presencia del Ensamble de cellos Recua, El trío integrado por Paola Moreno (piano), Lourdes Luna (violín) y Estela García (violoncello), las pianistas Dorothée Broichhaussen, Adriana Sánchez, y la cantante Viviana Taberna junto al guitarrista Carlos Podazza. La idea de este concierto es presentar un espectáculo variado, con diferentes estilos musicales. Así es que se podrá escuchar rock a cargo de Recua, obras de estilo clásico a cargo de piano cuatro manos, violín y cello, tango a cargo del trío con piano, y folclore en la voz de Viviana Taberna y la guitarra de Podazza. La entrada es libre y gratuita por lo que invitamos a todos a compartir una noche entre amigos.

Concierto en el Teatro San Martín

2010-05-13T04:10:00.000-07:00

Este Sábado 15 de Mayo a las 21 hs. en el Teatro San Martín, (Sarmiento y Muñecas, San Miguel de Tucumán), ofrecerán un concierto, en la primera parte, el ensamble de cellos "Recua" y en la segunda parte la prestigiosa banda "Porteña Jazz Band". Los esperamos.

El violoncello: Construcción y cuidados

2010-03-03T13:25:00.000-08:00

En este espacio encontrarán algunas de las preguntas más frecuentes referidas al violoncello, su construcción y cuidado. Las respuestas corresponden a Mauro Cura, un reconocido luthier tucumano. Por supuesto, el espacio queda abierto a cualquier consulta y comentario. Si sus dudas no están contempladas en este listado, no duden en escribir. Siempre recurriremos a un respetado profesional para todas las consultas. Al final, encontrarán los datos de contacto de Mauro Cura.

• ¿Cuál es la composición del barniz y qué relación tiene con el sonido? Las recetas de barnices utilizadas en luthería son muchas y muy variadas. Podemos dividirlas en los siguientes grupos: “al alcohol”, “al aceite”, “mixtos”, y “a la cera”. Los primeros son elaborados con resinas naturales (Goma laca, Sandáraca, Elemí, Dammar, Mirra, Benjuí, Trementina de Venecia, Copal, etc.) diluidas en alcohol. Los barnices al aceite se preparan con resinas (ámbar, elemí, sandáraca, etc.) disueltos directamente en aceites (lino, esencia de trementina, etc.). Los barnices mixtos son resinas diluidas en alcohol, con un agregado de aceite (lavanda, lino, etc.). Los barnices a la cera, además de resinas, tienen un alto contenido de ceras (cera de abejas, carnaúba, de laca, etc.) El barniz es muy importante para el sonido del instrumento dado que tiene que permitir que éste vibre libremente. Para esto es necesario que el barniz sea lo suficientemente elástico como para acompañar el movimiento de la madera, y no rígido y duro. Tampoco debe ser “gomoso” y que absorba las vibraciones. Sin olvidarnos que debe proteger al instrumento así como embellecerlo. • ¿Es conveniente cambiar el barniz después de un determinado tiempo? La elaboración y aplicación del barniz es un punto sumamente importante para un lutier y su obra. Por lo tanto, quitar éste es considerado un “crimen”. Si a un instrumento importante le cambiamos el barniz, éste se devaluaría considerablemente. Es válido dar retoques de barniz cuando está dañado para no dejar madera expuesta, pero nunca cambiarlo. • ¿Los líquidos para limpiar las cuerdas son diferentes de los líquidos para limpiar la madera? ¿Qué composición tienen? Sinceramente desconozco los componentes de estos productos industriales, pero seguramente son distintos ya que sus usos son diferentes. El de las cuerdas, diluye las resinas. Esto, en el barniz, puede resultar muy perjudicial. Algunos productos “caseros” para limpiar el instrumento contienen aceites y ceras. Esto empastaría las cuerdas. • ¿Cuál es la mejor madera para el cordal? En el cordal dan muy buenos resultados diferentes maderas. Es la pieza del instrumento más libre en cuanto al uso de materiales. Las más tradicionales son ébano, palisandro, boj, pero también dan muy buenos resultados el guayacán, algarrobo, etc. El secreto de un buen cordal está en la elaboración más que en el material. Incluso se utilizan algunos materiales como el plástico, baquelita, aluminio, fibra de carbono, aunque no sean de mi agrado. • ¿Cuál es la relación entre el peso del cordal y el sonido? ¿Cuánto debería pesar el cordal? Cuando digo que el secreto está en la elaboración me refiero a esto. El cordal debe ser lo más liviano posible, manteniendo siempre la resistencia necesaria. • ¿Los cordales de fibra de carbono dan buenos resultados? ¿Dónde se los consiguen? Sí, dan buenos resultados. Personalmente sigo prefiriendo los de madera. Se los consiguen en las casas de música o por internet. • La tastiera, aunque sea de ébano, tiende a deformarse con el paso de los años ¿Cambiarla puede tener consecuencias negativas para el instrumento? Si el trabajo se realiza bien, no trae ningún inconveniente. • ¿De qué madera están construidos los mejores puentes? Los puentes, están construidos de maple duro. También hay algunos de plátano. • ¿Cuál es la diferencia, si existiera, entre puentes belgas, franceses e italianos? Los puentes belgas producen un sonido un tanto más fuerte y potente que los franceses, que tienden a ser algo más dulce y profundo. Aunque esto, por supuesto, es relativo ya que depende también del instrumento. Por el italiano, entiendo que se refieren al barroco, que se utiliza en instrumentos barrocos, con cuerdas de tripa produciendo un sonido más gordo y rasposo. • ¿De qué madera es el alma? ¿Tiene una medida estándar? La madera del alma es de abeto, la misma madera de la tapa. En los violoncellos el alma es generalmente de 11 mm. de espesor y el largo lo determina el instrumento.

E-mail: maurocura@hotmail.com En facebook: mauro cura_luthier

Afinación Temperada

2010-01-13T13:55:00.000-08:00

Adoptando el cent como unidad científica de medición de los intervalos establecida por Alexander Ellis (1814-1890), una octava contiene 1200 cents. Dividiendo la misma en 12 partes iguales, cada semitono equivale a 100 cents; la tercera mayor tiene entonces 400 cents y la quinta 700 cents. Pero ninguno de estos intervalos es puro (el único intervalo puro es la octava). Una tercera y una quinta acústicamente puras (según las leyes Pitagóricas que obtienen estos intervalos dividiendo una cuerda en las proporciones 5:4 y 3:2) equivalen a 386 y 702 cents, respectivamente. Observemos ahora los siguientes fenómenos: Si tratamos de formar una octava de 1200 cents sumando 3 terceras mayores puras, o sea 386 x 3 =1158, aparece una diferencia de 42 cents, conocida con el nombre de “diesis”. Si sumamos 4 quintas puras y le restamos luego 2 octavas para obtener una tercera, es decir, 702 x 4 – 2400 = 408 cents, obtenemos 22 cents más que la tercera mayor pura (386 cents), diferencia conocida como “coma sintónica”. Finalmente, si sumamos 12 quintas puras para llegar al sonido inicial 7 octavas más agudo, es decir, 702 x 12 = 8424 y 1200 x 7 = 8400, resulta una diferencia de 24 cents, llamada “coma pitagórica”. Vemos pues que las quintas puras son demasiado grandes para conformar una octava, mientras que las terceras mayores puras sin demasiado pequeñas. Asimismo, la combinación de quintas puras origina terceras muy grandes, a la vez que utilizando terceras mayores puras se obtienen quintas estrechas. Por lo tanto, no habiendo posibilidad de afinar dentro de la octava todos los intervalos puros, debe recurrirse al temperamento. Todos los temperamentos son compromisos a fin de repartir las diferencias anteriormente mencionadas entre los 12 sonidos de la octava, es decir “temperar” (del latín "temperare", combinar adecuadamente, moderar, templar) los distintos intervalos en función de un equilibrio armónico-musical. Este procedimiento es imprescindible en los instrumentos de afinación fija, como los de teclado o de cuerdas con trastes, mientras que la voz humana y los instrumentos de arco, entre otros, tienen la posibilidad de desarrollar una entonación justa o natural mediante el empleo de intervalos puros. En esta afinación natural es posible apreciar la discrepancia entre dos sonidos enarmónicos (Do# y Reb o Sol# y Lab, cuya diferencia llamada “diesis” es de 42 cents, el bemol más bajo que el sostenido), mientras que en un teclado son iguales. Para evitar esto, antiguamente se llegó a la construcción de órganos y claves con dos teclas superpuestas, una para el sostenido y otra para el bemol, con la inevitable complicación para el ejecutante. Tales experimentos tuvieron poco éxito, volviéndose a la solución ofrecida por el temperamento. Durante la Edad Media, se utilizó fundamentalmente el “temperamento Pitagórico”; la mayoría de las quintas son puras con el consiguiente detrimento de las terceras. La polifonía del Renacimiento buscó mejores terceras adoptando el “temperamento mesotónico”, que utiliza un máximo de terceras puras a expensas de las quintas. La escala obtenida mediante el “temperamento mesotónico” era muy satisfactoria desde el punto de vista melódico y armónico, siempre que se limitara su uso a tonalidades con no más de dos o tres alteraciones en la armadura de clave, lo cual restringía considerablemente las posibilidades de modulación. Los músicos del Barroco consideraron esto como una limitación inaceptable, desarrollando ulteriormente innumerables tipos de temperamentos para posibilitar el empleo de las 24 tonalidades. Weckmeister, Neidhardt y Vallotti fueron algunos de ellos. Indudablemente, Bach se interesó en aquellos nuevos temperamentos y para demostrar su eficacia compuso la serie de 24 preludios y fugas, llamada “El clave bien temperado”.

Conservatorio provincial de música

2009-11-05T05:42:00.000-08:00

Recua se une a los festejos del centenario del "Conservatorio Provincial de Música". Para ello ofrecerá un concierto en el hall central de la Institución el día Jueves 26 de Noviembre a las 21 hs. La entrada es libre y gratuita. Los esperamos en Av. Brígido Terán 300 (San Miguel de Tucumán)

Concierto en el MUNT

2009-11-04T10:11:00.000-08:00

El día Lunes 07 de Diciembre a las 21:30 hs. en la sala del MUNT, ofrecerán un recital Paola Moreno en piano, Lourdes Luna Hernandez en violín y Estela García en cello. Se escucharán el "Trío en Re menor, Op. 32", de Anton Arensky, en primera audición en Tucumán y las "Estaciones Porteñas", de Astor Piazzolla. Los esperamos en San Martin 1545 (San Miguel de Tucumán)

Concierto Alianza Francesa

2009-08-29T07:06:00.000-07:00

Concierto de piano y cámara a cargo de Nancy León en piano, Fabiana José en violín, y Lourdes Deraco en clarinete. La cita es para el Viernes 4 de Septiembre a las 20 hs., en Alianza Francesa (Mendoza 257, Tucumán). Se escucharán obras de Mozart, Debussy, Schubert, Satie y Rovira. La entrada es libre y gratuita. Allí estaremos!

Concierto Alianza Francesa

2009-08-10T08:14:00.000-07:00

En el marco de finalización del curso dictado por Dorothée Broicchausen sobre la música del compositor alemán Johann Lütter se ofrecerá un concierto el día 10 de Agosto en Alianza Francesa, Laprida 257 (Tucumán) a las 19:30 hs. Participarán entre otros, Nancy León (integrante de Recua) interpretando la Sonatina en Sol menor para piano, y Estela García junto a la pianista Paola Moreno, que ejecutarán las "Variaciones sobre una canción folklórica Lituana".

Arte al vaso

2009-08-10T08:01:00.000-07:00

Fernando Soria y Adriana Manes, integrantes de Recua, fueron invitados a participar de la muestra "Arte al vaso", organizada por el grupo independiente "La gente que te rodea". La exposición está enmarcada dentro de la muestra "Casa de Otros". La invitación es para el 13 y 14 de Agosto en Laprida 1169 (Tucumán) a las 20:00 hs. Felicitaciones!

www.lagentequeterodea.jimdo.com

Tengo oído para la música?

2009-07-06T14:05:00.000-07:00

Sin duda el tema del "oído musical" es una de las consultas más frecuentes a la hora de decidir el estudio de un instrumento. Lamentablemente sigo escuchando a muchos decir que si no se empieza a estudiar música a los ocho años más vale no intentarlo. O si no podés cantar afinado el cumpleaños feliz, mejor "dedicate a otra cosa". Obviamente, si queremos dedicarnos a una carrera como solista, a recorrer el mundo y llenarnos de apluasos reescribiendo la historia, entonces deberíamos empezar a estudiar apenas salimos del vientre materno. Pero si queremos disfrutar de la música, vibrar, emocionarnos y proyectar nuestros más profundos sentimientos, entonces sólo necesitamos dedicación y amor, como cualquier otra actividad que se hace movida por el placer. Cualquier persona (que tenga el sentido del oído, obviamente) puede decir de un sonido es "grueso" o es "finito", y eso es el principio de percepción de las alturas de los sonidos: "grave" y "agudo", respectivamente. Eso es tener oído. El resto es entrenamiento, para poder captar intervalos pequeños. Con el trabajo en el ensamble queda comprobado que para hacer música no hay edad ni condiciones específicas. Para mejor comprensión de todo esto, les dejo un link en donde podrán escuchar de manera más clara todos estos conceptos. Realmente se trata de una extraordinaria conferencia de 20 minutos, dada por el director de orquesta Benjamin Zander. Imperdible y altamente recomendable. Este es link en youtube: www.youtube.com/watch?v=71w-oasL6iQ&feature=player_embedded

El Theremín

2009-07-03T15:01:00.000-07:00

El theremin, es uno de los primeros instrumentos musicales electrónicos y fue inventado en 1919 por el físico ruso Lev Sergueievich Termen. Básicamente es una caja con dos antenas. Se ejecuta acercando y alejando la mano a cada una de las antenas, sin llegar a tocarlas. La antena izquierda es horizontal y con forma de bucle, y sirve para controlar el volumen: cuanto más cerca de la misma esté la mano izquierda, más baja el volumen, y viceversa. La antena derecha suele ser recta y en vertical, y sirve para controlar la frecuencia: cuanto más cerca esté la mano derecha de la misma, más agudo será el sonido producido. Su versión más primitiva fue llamada Aetherophone (que se podría traducir como Eterófono), y constaba sólo de la antena de tono. Dicho diseño fue mejorado por el inventor, añadiendo la antena para controlar el volumen . Actualmente, algunos de los modelos caseros y comercializados de Theremin disponen tan sólo de la antena que controla el tono, lo cual los convierte en un "Eterófono", y se usa para efectos especiales más que como un instrumento musical, al no poder acentuar ni separar las notas producidas. También se han llegado a producir theremines de forma más o menos artesanal con formas de interactuar muy distintas, como por ejemplo, teremines ópticos que miden la cantidad de luz que les llega a un sensor. También la casa Roland comercializa en algunos de sus módulos un sensor de infrarrojos llamado D-Beam, con el cual se puede controlar no sólo el tono, sino alternativamente el parámetro que se elija. Los theremines originales estaban fabricados con válvulas de vacío, que presentaban problemas de mantenimiento y estabilidad térmica, además de necesitar altos voltajes para su funcionamiento, que, aunque no son un peligro para el ejecutante, si lo son para un intento de mantenimiento por inexpertos. Actualmente existen multitud de firmas que comercializan versiones transistorizadas de teremines, que aun no teniendo la calidez del sonido valvular, son más robustos y adecuados para el transporte, de mucho menor consumo eléctrico y mucho más estables. Originalmente, el timbre de los theremines se asemejaba a algo entre un violonchelo y una voz humana: su inventor, además de físico, era violonchelista. Hoy en día existen incluso modelos que participan de la tecnología midi, lo cual les posibilita tener, virtualmente, cualquier timbre que se desee utilizando un sampler o muestreador, pero dicho efecto raramente produce sonidos creíbles, al no estar pensado el diseño originario en ese sentido. Muy usado en las películas de serie B de Hollywood de los años cuarenta y cincuenta del siglo XX por su sonido electrónico para ambientar, a base de un uso efectista, películas de ciencia ficción y terror en la era anterior al sintetizador, su uso original era bien distinto: la tereminista y violinista Clara Rockmore utilizó un repertorio romántico clásico y dio al theremin credibilidad como instrumento solista en un entorno orquestal. El uso del theremin más conocido en una película clásica quizá sea en "Ultimátum a La Tierra" ("The Day the Earth Stood Still") de Robert Wise. En este film el compositor Bernard Herrmann utiliza dos theremines en la paleta orquestal. El uso de ambos servía para dar un aire futurista y para enfatizar la amenaza procedente del espacio exterior, que se manifestaba en su más amplia resonancia en el hierático personaje del gigantesco robot Gort. El compositor Miklós Rózsa también hizo uso frecuente de este primitivo sintetizador para expresar la inestabilidad emocional de sus protagonistas en filmes de cine negro en los años cuarenta del siglo XX. Así en "Recuerda" ("Spellbound") de Alfred Hitchcock, el sonido del theremin aparecía cuando los pensamientos obsesivos se adueñaban de la voluntad de "John Ballantine" (Gregory Peck). Asimismo, en "Dias Sin Huella" ("The Lost Weekend"/El fin de semana perdido) de Billy Wilder, los momentos de embriaguez del alcohólico "Don Birnam" (Ray Milland) eran subrayados por este instrumento, que adquiere toda su potencialidad sonora y dramática en la escena del delírium tremens. En la película The Song Remains the Same (La canción sigue siendo la misma) de Led Zeppelin, podremos ver a Jimmy Page improvisando efectos de sonido con un rústico Theremín de una antena conectado a efectos de delay, durante la canción "whole lotta love". Casi olvidado durante décadas, en los años noventa se benefició de un resurgimiento gracias, entre otros factores, a la producción del documental "Theremin, an Electronic Oddysey" (1995) y a la producción a mediana escala de theremines de gama media "etherwave standard", diseñados en la fábrica de Bog Moog (por entonces la empresa se llamaba "Big Briar", luego "Moog" de nuevo). Dicho modelo, aunque tiene pequeños fallos de diseño y es bastante básico, se sigue fabricando hoy día. Debido a su alto precio le ha salido multitud de imitaciones en todo el mundo, con lo que podemos considerar que ese modelo viene a ser al theremin lo que el modelo "Stratocaster" de Fender supone para las guitarras eléctricas: un emblema y el diseño de theremin más popular. Recientemente el theremin se ha retomado con éxito apabullante en películas como "El Maquinista", donde está tocado por Lydia Kavina, virtuosa del instrumento y familia lejana del propio L.S. Termen (el cual era su tío abuelo y le instruyó en su uso cuando era niña). El theremin lo han usado grupos e intérpretes famosos como son Pink Floyd, Nine Inch Nails, Radiohead, Skunk Anansie, Los Planetas, Jean Michel Jarre, Jon Spencer Blues Explosion, Fangoria, La oreja de Van Gogh, Los Delinqüentes e incluso Estopa. Otros menos conocidos pero que también hacen uso del theremin son The Gathering, Los Gandules, Spock's Beard, Lendi Vexer, Estirpe, Green Carnation, Messer Chups y últimamente Sunkfool.En el pasado las figuras más representativas asociadas al instrumento fueron Clara Rockmore, Dr. Samuel Hoffman y Lucie Bigelow Rosen entre otros. Hoy en día, un gran número de thereministas buscan seguir el legado de los grandes virtuosos del instrumento, algunos de ellos: Lydia Kavina, Barbara Buchholz, Carolina Eyck, Ernesto Mendoza, Peter Pringle, Jonny Greenwood, Robby Virus y Pamelia Kurstin.Los principios físicos que hacen resonar a un theremin permiten la fabricación de sensores ultrafinos que detectan (por ejemplo) diferencias nanométricas en el relieve de objetos. Por este motivo instrumentos basados en tales principios se utilizan actualmente para ajustar el pulido de los más grandes y complejos telescopios ópticos.

El violonchelista de Sarajevo

2009-07-03T07:42:00.000-07:00

Vedran Smajlović, conocido como "El Violonchelista de Sarajevo", fue músico de la Orquesta Filarmónica de Sarajevo, la Orquesta Sinfónica RTV Sarajevo, el Teatro Nacional de Sarajevo y de la Opera de Sarajevo. Durante la guerra de Bosnia, el 27 de Mayo de 1992 a las cuatro de la madrugada mientras una larga cola de personas espera para conseguir pan frente a una de las últimas panaderías abiertas de la ciudad, un obús cae sobre ellas y mata a 22. Smajlović asomó a su ventana y encontró aquella escena de carne, sangre, huesos y escombros. En ese instante supo que ya había visto suficiente. Tenía 37 años. Al día siguiente había decidido que bajaría con su violonchelo y un taburete a la calle donde se había producido la masacre. Iría vestido formalmente, como en un concierto. Se sentaría justo en el cráter que había abierto el proyectil, y tocaría el Adagio de Albinoni durante 22 días, uno por cada una de las víctimas. Smajlović tocó por los hogares destrozados, los incendios, las personas asustadas que se escondían en los sótanos. Tocó por la dignidad humana, la primera víctima de la guerra. Y, por último, tocó por su vida, por la paz, y por la posibilidad de que la esperanza exista incluso en las horas más negras. A la pregunta de un periodista de si no se estaba volviendo loco haciendo lo que hacía, Smajlović contestó: «Me pregunta si estoy loco por tocar el violonchelo. ¿Por qué no pregunta si no están locos ellos por bombardear Sarajevo? Smajlović siguió tocando su música de esperanza hasta diciembre de 1993, en sepulcros y cráteres hechos por bombas. Había decidido «ofrecer todos los días una plegaria musical por la paz», afirmó. Cuando su historia empezó a filtrarse a la prensa, se convirtió en símbolo de la paz en Bosnia. Inspirado por esta acción el escritor canadiense Steve Galloway escribió el libro "El violonchelista de Sarajevo" que no fue del agrado de Smajlović. El músico inglés David Wilde, compuso un solo de violoncello, titulado sencillamente "El violoncelista de Sarajevo", en el cual vertió sus propios sentimientos de indignacion, amor y solidaridad con Vedran Smajlović. El violonchelista Yo Yo Ma tocó esta pieza en el Festival Internacional de Violonchelo de Manchester (Inglaterra) en 1994. El pianista Paul Sullivan, que estaba presente, lo describió así: «Discreta, casi imperceptiblemente, la música comenzó a sonar y a propagarse por el auditorio, creando un universo vacío, lleno de sombras, ominoso, con la presencia de la muerte acechando en sus ecos. Lentamente fue creciendo y convirtiéndose en un furor agonizante, desesperado, fulminante, que nos arrebató a todos antes de ahogarse en un último estertor; y después, desapareció en el silencio del cual había brotado. Cuando acabó, Yo Yo Ma siguió inclinado sobre su violoncello. El arco descansaba aún contra las cuerdas. Nadie de los presentes se movió; durante mucho, mucho rato no se oyó el menor ruido. Era como si acabásemos de presenciar la horrible masacre. Finalmente, aún en silencio, Yo Yo se irguió despacio en la silla, miró al público y alargó una mano hacia nosotros. Todos los ojos la siguieron mientras invitaba a subir al escenario a alguien, y una conmoción eléctrica, indescriptible, nos sacudió al caer en la cuenta de que se trataba de Vedran Smajlović, el violoncelista de Sarajevo en persona. Se levantó de su asiento y recorrió el pasillo. Yo Yo bajó del escenario y caminó por el mismo pasillo en su dirección. Al encontrarse, ambos se abrazaron apasionadamente a sólo unos centímetros de donde yo me encontraba. La tensión era indescriptible; todos los presentes saltaron del asiento y estallaron en un delirio emocional caótico: aplaudían, lloraban, gritaban, se abrazaban y vitoreaban. Era una ola de emoción ensordecedora, arrolladora. Y, en el centro de la misma, aquellos dos hombres, aún abrazados y llorando sin pudor.

La obra puede ser escuchada en youtube en el siguiente link:
http://www.youtube.com/watch?v=U7nJxmwY3f8

Instrumentos exóticos: Les Luthiers

2009-06-28T09:26:00.000-07:00

El grupo argentino Les Luthiers merece un capítulo aparte en lo que a utilización de instrumentos exóticos se refiere. Su luthier, Hugo Dominguez es el responsable de las siguientes maravillas: El contrabajo fuentón: Un fuentón antiguo que se utilizaba para lavar ropa y un diapasón fabricado con un poste de palo de durazno (tomado de un alambrado) componen este instrumento. Tiene sólo dos cuerdas (por eso su ejecución es más difícil que la de un contrabajo tradicional) y lleva micrófonos de primera calidad. Hugo Domínguez lo utiliza en la Caoba Jazz Band y acepta que es poco práctico a la hora de transportarlo. Violín caja de cigarros: Este violín utiliza una caja de cigarros como caja de resonancia. El clavijero difiere mucho del rulo habitual que llevan los instrumentos de arco, y se asemela al diapasón de una guitarra eléctrica. El centro de los laterales tiene un pequeño bajorrelieve para permitir el movimiento del arco de caña. Desafinaducha: Se le ocurrió, claro, en la ducha. Domínguez asegura haberla visto en un instante de intuición que bastó para comprender su complicado mecanismo. Fue construido para Les Luthiers y estrenado en la obra “Loas al cuarto de baño” (del espectáculo Todo por que rías) en 1999. Originalmente se llamó “Duchafón”, pero fue rebautizado por los humoristas. La estructura está construida con múltiples materiales. El agua que brota de una ducha hace girar unos rodillos con pequeños martillos, los cuales percuten sobre placas de metal y logran un extraño sonido. Nomeolbídet: Un híbrido entre un artefacto sanitario (el bidet) y un instrumento medieval (el Organistrum o Vielle à roue). Lo toca Jorge Maronna, haciendo girar una manivela, que pone en movimiento una cinta sinfín enresinada, la cual frota las cuerdas. Domínguez está orgulloso de él porque rara vez pierde la afinación. Calephone da casa: Mezcla de tuba y trombón, este calefón es también utilizado por Les Luthiers en “Loas al cuarto de baño”. El primer calefón fue estrenado en “Visita a la universidad de Wildstone” en 1977 (del espectáculo “Mastropiero que nunca”). Hubo un segundo calefón, pero fue descartado por no reunir los criterios estéticos requeridos. El tercer calefón es el utilizado actualmente. Lira de asiento o Lirodoro: Esta lira echa sobre un asiento de inodoro posee un clavijero de mandolina, un puente con microafinadores y ocho cuerdas de metal que registran una octava. Como no tiene tastiera, el registro se limita a esas ocho notas “al aire”. Junto a la Desafinaducha, el Nomeolbídet y el Calephone da Casa, integran el cuarteto de instrumentos informales que se utiliza en la obra “Loas al cuarto de baño”. También se ha utilizado en “Iniciación a las artes marciales”, siempre interpretado por Carlos López Puccio. El alambique encantador: Es el chiche nuevo de Les Luthiers y es enorme. Se estrenó en el nuevo espectáculo: Los Premios Mastropiero, en la obra “Valdemar y el Hechicero”, en julio de 2005. Está clasificado como un instrumento de viento. Tiene tres secciones formadas por 11 copas de acrílico, 8 botellas de plástico y 4 botellones grandes. Las copas suenan al frotar su borde, pero las otras secciones tienen un mecanismo diferente. Botellas y botellones están sumergidas casi totalmente en agua. Al ser empujadas hacia abajo, el líquido comprime el aire y hace sonar unas lengüetas de acordeón. Es ejecutado, simultáneamente, por Carlos López Puccio, Jorge Maronna y Carlos Núñez Cortés. Tablas de lavar: Tres tablas de lavar a las que se les agregaron una bocina de bicicleta, un platillo Crash, una pequeña caja y un timbal. El completo instrumento de percusión es utilizado en la obra ten step “Pepper Clemens sent the messenger: nevertheless the reverend left the herd” (perteneciente a los espectáculos Por humor al arte -1983- y Las obras de ayer -2002-). Les dejo el link para conocer más sobre Hugo Dominguez http://www.otrosinstrumentos.com.ar/

La Armónica de Cristal

2009-06-27T16:35:00.000-07:00

La Armónica de cristal fue inventada por Benjamin Franklin en 1762, inspirado por el sonido que emiten las arpas de cristal (copas de cristal que, dependiendo de la cantidad de agua que contengan, emiten determinada nota al ser su borde rozado con las yemas húmedas de los dedos). La palabra "armónica" no está relacionada con el instrumento homónimo, sino que hace referencia a las armonías que emanan de este invento. Consiste en varios platos o boles de cristal de diferentes tamaños alineados horizontalmente. Estos cristales están unidos por un eje que a su vez está conectado por medio de una correa a un pedal que se hace girar con el pie, como si fuera una vieja máquina de coser. Este instrumento tiene cuatro octavas y se ejecuta apoyando los dedos mojados sobre los platos mientras estos giran, produciendo un sonido cristalino. A pesar de que Mozart, Beethoven y Strauss entre otros, compusieron música para este instrumento, la armónica de cristal no tuvo ningún éxito y hasta fue prohibida porque se decía que provocaba locura, depresión y hasta cáncer y saturnismo en quienes la tocaban. Hoy se sabe que estos posibles efectos secundarios podrían deberse a la cantidad de plomo con la que se fabricaba el cristal y no por los efectos directos de su sonido. Actualmente las armónicas son fabricadas con cristales sin plomo. Les dejo esta dirección donde podrán ver y escuchar una interpretación con este instrumento. http://www.youtube.com/watch?v=eQemvyyJ--g

El Hang

2009-06-26T18:09:00.000-07:00

El Hang, es un instrumento musical de percusión muy nuevo. Su creación data del año 2000 y fue obra de Felix Rohner y Sabina Schärer. Hang significa mano en idioma bernés, lengua hablada en Berna, capital federal de Suiza. Es también capital del cantón y distrito homónimos. El objetivo de la creación de este instrumento fue imitar en un instrumento portátil el sonido del steel drum (propio del capypso). Sus constructores investigaron durante 25 años con acero y otros instrumentos de percusión de todo el mundo, como el Gong, el Gamelan, el Ghatam, etc. Su sonido tiene la sugerencia de instrumentos como la marimba pero metálico y armonioso, que crea un ambiente sonoro como de campana oriental. El instrumento se compone de dos hemisferios de metal soldados. Sus lados se llaman Ding y Gu. El lado Ding contiene 8 tonos musicales en forma de círculos que rodean a un círculo central mayor (el llamado Ding) con un sonido muy parecido al Gong. El otro lado, el Gu, tiene un agujero para la resonancia del sonido. Al estar compuesto de dos partes de metal con forma lenticular, el Hang tiene la apariencia de un OVNI. Su forma de ejecución es golpeando suavemente sobre los huecos del instrumento con la punta de los dedos, los pulgares, la palma de la mano, o mezclando las tres a la vez. Cada uno de estos huecos equivale a una nota musical, llegando a cubrir una escala entera. En general, el Hang se ubica sobre las piernas del ejecutante, pero también se puede tocar apoyado en otra superficie. Actualmente (2009) sólo sus dos creadores se dedican a la fabricación del instrumento, con una producción aproximada de 5000 ejemplares que se venden en la casa matriz en Berna, Suiza. Por este motivo, alrrededor del mundo han surgido imitaciones, o variaciones e incluso revisiones del instrumento. Les dejo dos direcciones para que escuchen cómo suena esta maravilla de instrumento. Quiero uno para el ensamble! http://www.youtube.com/watch?v=wqHb_xXX7Ps http://www.youtube.com/watch?v=vZAChsDGck0

Moulin Rouge y el Cancán

2009-06-23T11:59:00.000-07:00

El cancán emergió hacia 1830 en los bailes populares de las afueras de París. Primero lo bailaron los hombres, hasta la aparición de las primeras bailarinas solistas. Esta danza nació al mismo tiempo que el romanticismo y trataba de expresar el sentimiento y la desesperación. Surgió en las clases populares bajo la forma de improvisación, y era una suerte de transgresión de las normas de la época, para criticar a la monarquía, al clero y la moral burguesa. Fue un período muy difícil, con muchos movimientos políticos, epidemias, emigración del campo a la ciudad... En París había mucha gente que vivía sola, trabajadores emigrantes que se sentían solos y miserables. Por eso iban a los bailes para divertirse y olvidar su triste condición. Poco después, en la alta sociedad, la polca va a causar cierta controversia debido al estrecho contacto entre los cuerpos que prescribe. Así comienza una conexión entre la llegada a Francia de esta danza de origen bohemio y el desarrollo del ultrajante cancán: ambos se dan con un movimiento rápido y en compás de dos por cuatro. El Moulin Rouge abrió sus puertas en 1889. Una de sus atracciones eran los bailes y contradanzas. En este lugar se encontraba gente de todas las clases sociales y también de todos los países. Para representar eso, en el cancán hay un paso que se llama “la mayonesa”, una metáfora de la extinción de barreras a nivel social y económico. La gente se divierte durante la noche con un grupo de cantantes, bailarinas, acróbatas y malabaristas. De pronto la orquesta toca una forma de galop de “Orphée aux enfers”, de Jacques Offenbach, y las chicas empiezan una danza salvaje en medio del salón, dando puntapiés en el aire y elevando la pierna hasta la cabeza. De vez en cuando, alguna de las bailarinas se da la vuelta y levanta las faldas por detrás. Al final, deslizándose hasta el suelo, las chicas se abren de piernas. Luego se retiran en un alboroto de adornos y lazos de raso; la última vuelve a levantar sus faldas dando el toque final. “El cancán ignora, desdeña y elimina todas las normas, reglas y métodos. Es antes que nada la danza de la libertad”, escribía la bailarina Rigolboche en sus memorias. Libertad no sólo de movimientos, sino también de ideas, pues la palabra cancán, viene del verbo cancaner, que significa criticar, maldecir, armar bronca. En cuanto a la vestimenta de las bailarinas, era una forma de escándalo en sí: la ropa interior aparece al exterior. La bailarina de cancán vestía un corsé muy escotado que desanudaba al salir a la escena. Era una manera de liberarse. En el cuello llevaba una especie de gargantilla que llamaban “collar de perro”. Con ella denunciaba que era tratada como una perra por los hombres, pero demostrando que no estaba atada por una correa. Cuenta Nadège Maruta, bailarina del Moulin Rouge: “en aquella época existía un comisario, el Padre Pudor, que iba a los cabarets a vigilar, y llevaba un metro para cuidar que los escotes no estuviesen demasiado abiertos. La policía también ponía un toque ambiental a los cabarets: los músicos avisaban con una señal de la llegada de los inspectores”. El cancán estuvo prohibido por las autoridades en Francia, Gran Bretaña y Estados Unidos. Se decía que muchas bailarinas eran prostitutas. En los orígenes de esta danza las bailarinas se ponían el gorro frigio, un emblema de la República que estaba prohibido. Para transgredir esa prohibición, las bailarinas inventaron un peinado que se parecía al gorro frigio, de color rojo. El cancán, igual que la opereta era una válvula para escapar a esa rigidez social. En ambos encontramos en común la parodia, la sátira y un estilo subversivo. El cancán se bailaba con adaptaciones de músicas conocidas, un repertorio popular compuesto por aires de ópera que se aceleraban para lograr un ritmo más trepidante hasta rozar la caricatura. La música de Offenbach contribuyó a la popularidad del cancán. El galop infernal de “Orphée aux enfers” se asocia siempre a esta danza. Este motivo será retomado en Inglaterra, pues es en Londres donde se funda el término de “french cancan”. El paso por Inglaterra es un momento esencial. No hay que olvidar que la sociedad victoriana era todavía más rígida que la francesa y la necesidad de reaccionar era aún mayor. La edad de oro del cancán fue la época de Henri Toulouse-Lautrec, quien inmortalizó a bailarinas como la Goulue y Jeanne Avril, y supo captar su movimiento trepidante. “Lautrec estaba fascinado por la libertad de los cuerpos de estas bailarinas de piernas ágiles –afirma Nadège Maruta-, pero también las bailarinas estaban fascinadas con él, que casi no tenía piernas. Su enfermedad le llevó a vivir en los márgenes de la sociedad, en ese ambiente nocturno de transgresión”. Es el momento de la Galette, del Théâtre Elysée-Montmartre y del Moulin Rouge. Las bailarinas de cancán ponían su individualidad en primer plano, cada una tenía su sello propio y un vestido diferente. Se daban nombres artísticos sorprendentes: Nini-Patte-en-l`Air (Nini patas por alto), Grille d`Egouts (Reja de alcantarilla), la Sauterelle (la Saltarina), Môme fromage (Chica de queso), Tête de morte (cara de muerta)... Muchas bailarinas formaban una cuadrilla y otras tenían un estilo tan personal que danzaban en solo, como el caso de Jeanne Avril, la modelo preferida de Toulouse-Lautrec. Esta fue una época en la que los enfrentamientos sociales eran mucho más violentos. La Revolución Industrial hizo que los antagonismos estuvieran más marcados, así que el cancán adoptó una forma de desenfreno y de violencia social mucho más intensa. Todo ello lo recoge Toulouse-Lautrec, quien introduce en los museos a seres marginales: prostitutas, artistas del music-hall, payasos... Anne Roquebert, conservadora del Museo del Louvre, observa esa evolución en el arte: “Los artistas se tornan hacia un mundo más popular, atormentado por el dolor, el alcohol, la dureza de la vida, y eso es algo muy nuevo en relación al arte oficial”. El apogeo del cancán cubre un período relativamente corto, abarcando de 1890 a 1910. A partir de 1910, el ragtime y el jazz comienzan a hacer furor, constituyéndose una nueva cultura subversiva. El cancán pierde entonces su fuerza innovadora hasta convertirse en un rígido cliché. Hay una ruptura con la guerra, en 1914, un momento en que las manifestaciones como el cancán aparecen como algo indecente, fuera de lugar. Después de la contienda llegan los bailes de Norteamérica, que van a representar una nueva forma de libertad. El cancán va a quedar totalmente estereotipado, como una tarjeta postal para turistas.